Matfotografering har fått ett nytt liv under de senaste åren. Det är inte längre nischkonserveringen av kokböcker och menyerna på billiga restauranger - sociala medier har gjort matfotografering till en av de mest populära genrerna i konstformen, med matlagning (och till och med ätande) av måltiden ofta sekundär.
• De bästa linserna för matfotografering
• De bästa böckerna om matfotografering
Den nuvarande låsningssituationen gör matfotografering till ett ännu mer tilltalande val för frustrerade fotografer som inte kan gå in i den verkliga världen. Med lite mer än ditt kärnkitssats och dina köksytor kan du skapa några riktigt läckra bilder.
Medan de allmänna principerna har mycket gemensamt med stilleben och produktfotografering, har matinspel massor av alla fallgropar. Hur som helst behöver du solida grundvalar för fotografisk teori och teknik - och övning är självklart perfekt! Precis som att laga din favoriträtt kan det vara mycket mer komplicerat att få saker rätt.
För att få dig på rätt väg med att fånga dina kulinariska skapelser, poppade vi in i köket med den professionella matfotografen Ewen Bell för att undersöka både utrustningen och nyckelfärdigheterna för att få bilder som är lika mycket en fest för ögonen som de är för mage…
1. Arbeta i gott ljus
Det vanligaste misstaget är att försöka skjuta vacker mat i dåligt ljus. Kameror ser ljus, inte motiv, även när motivet är utsökt!
Matfotografering börjar alltid med ljuset. Det perfekta ljuset är mjukt, rikligt och vinklat. Du vill ha mycket ljus att leka med, men du vill definitivt inte att direkt solljus strömmar ut på scenen; det är för hårt och för kontrasterande. Det bästa bordet i restaurangen har fönstersätet, med starkt dagsljus utanför och endast filtrerat ljus som kommer igenom.
Detta scenario förvandlar fönstret till en stor softbox och fyller bordet med användbart ljus som erbjuder en rad fotograferingsvinklar. Utgångspunkten är att skjuta i vinkel över ljuskällan. Den vinkeln ger tillräcklig kontrast för att avslöja detaljer i scenen och tar upp färgerna. Du behöver inte fylla i motsatt sida av scenen med en studsbräda eller ifyllningsblixt, för du kan lysa upp underexponerade områden i de råa bilderna när du bearbetar filerna - det är ofta snabbare och mer exakt att finjustera ställa in de råa filerna än att försöka få den perfekta kameran.
När du ändrar vinkel skapar du en annan ljuskvalitet för scenen. Ju mer du skjuter in i ljuset desto mer kontrast och drama skapar du. Färgrikedom minskar, svarta härdas och vissa områden kan till och med blåsa ut, och det är acceptabelt för stiländamålet, om drama är det du letar efter.
Alternativt, när du ändrar vinkel så att ljuset kommer lite mer bakom dig, fylls scenen mer in och kontrasten blir plattare. Genom att kontrollera vinkeln som du skjuter i förhållande till fönstret, kontrollerar du också kontrast och färg - även när ljuset är väldigt, väldigt mjukt.
Det spelar ingen roll hur fantastisk din mat ser ut på en tallrik om ljuset inte fungerar för dig - god mat i dåligt ljus ger misslyckade foton. I rätt ljus, å andra sidan, kan nästan vilken scen som helst bli inbjudande.
2. Redigera dina bilder
Behandlingen av dina Raw-filer är lika viktig som filmen. De mest naturliga färgerna beror ofta på att man går lätt på mättnaden eller till och med drar tillbaka lite på den; om du kämpar med färgbalans är det troligt att du har mättnaden uppringd för högt.
I mycket platt ljus kan du behöva stöta kontrasten lite för att ge hårdhet åt kanterna - att lägga till kontrast endast i den svarta änden av histogrammet hjälper till att bevara toner någon annanstans i scenen.
Dessutom kan skuggdetaljer lyftas för att balansera scenen. Var noga med att använda selektiva justeringar för att lägga till exponering eller mer skuggdetaljer om kritiska element går förlorade i skuggan.
3. Tänk på blixt
Problemet med att förlita sig på naturligt ljus när man skjuter mat är att det inte alltid är så naturligt. Färggjutningar kan kastas över scenen av träd utanför, interiörbelysning kan lägga till färgfläckar i rummet och rörelse av moln hela dagen kan orsaka dramatiska förändringar i kontrast och färgtemperaturer.
Du får aldrig ett fint, rent vitt ljus om du inte tar med dig ditt eget. Blixtutrustning ger konsistens i din fotografering och minskar bearbetningsansträngningen. Pålitliga strober ger den exakta färgen och kvantiteten ljus från en ram till en annan. Om du fotograferar innehåll över flera dagar men behöver utseendet och känslan för varje bildruta för att vara konsekvent, är studioblixten vägen att gå.
Bortsett från att vara väldigt praktisk och pålitlig, när du har kontrollerat ditt flashutrustning kan du koncentrera dig på din kreativitet. Skala är kritisk här. Precis som vi njuter av mjukt, rikligt vinklat ljus i en restaurangs fönstersäte, försöker vi uppnå samma resultat i studion.
En stor softbox krävs, som drivs av en tillräckligt kapabel ljuskälla. 100W blixt är mer än tillräckligt för att skjuta en bordsscene och dra ut inspirationstunder i den.
Batteridrivna flashpistoler kan göra jobbet, men du kommer att bränna igenom batterierna och de är smärtsamt långsamma att regenerera när strömmen töms. För samma pris som en anständig flashgun kan du köpa monoblocksatser som erbjuder en plug-in-enhet med en inbyggd mottagare; Anslut bara till elnätet och skjut avtryckarenheten på kameran så är du redo att gå.
En pålitlig ljuskälla är viktig, och det är också övervägande för hur du vill forma ljuset. Softboxar för matfotografering ska vara mycket stora och erbjuda generösa mängder intern diffusion. Du måste komma softboxen nära scenen, så nära som möjligt för att hålla ljuset så diffust som möjligt.
Om dina ljusformade lådor inte är tillräckligt mjuka och för mycket kontrast kommer till scenen, lägg bara till en extra diffus skärm mellan maten och blixt.
4. Stoppa rörelse
Konsekvent belysning från studioblixten är perfekt för att göra korta stop-motion-klipp för montering eller presentation av en maträtt steg för steg.
Lås ner kameran på ett stativ och lås av fokus och exponering - du behöver dessa för att vara desamma för varje scen. Gör små justeringar mellan ramarna för att efterlikna en scen i rörelse.
Bearbeta råfilerna till perfektion innan du matar ut de enskilda bilderna, ta sedan stillbilderna i ditt videoredigeringsverktyg och använd mjuka övergångar för att jämna ut rörelsen.
5. All magi händer vid 50 mm
Synfältet från en 50 mm-lins är den perfekta platsen för stillbildsfotografering, inklusive mat. När ditt synfält blir bredare, till exempel 35 mm, börjar du få perspektivproblem och ju bredare du skjuter desto närmare behöver du komma, vilket kan överdriva perspektivet ytterligare. Det blir också svårt att kontrollera bakgrunden med en bredare lins; du vill inte alltid att resten av rummet ska dras in i ramen.
Att begränsa synfältet med en teleobjektiv kan också vara ett problem. Längre brännviddar, som 100 mm, komprimerar scenen - du kan förlora djupkänslan och dina kompositioner kan se platt ut. Längre linser skapar också logistiska problem när du arbetar i trånga utrymmen, eftersom du kanske inte har utrymme att gå tillbaka tillräckligt långt för ett skott.
Allt fungerar mycket bättre när du börjar med 50 mm. Om du fotograferar på en helskärmssensor är den andra fördelen med 50 mm att det finns många prisvärda primtal på marknaden.
En bländare på f / 2 är perfekt, och det är frestande att använda en 24-70 mm f / 2.8 om du redan har en, men då kommer du inte att njuta av den fulla effekten av en primärlins vid f / 2 - och du måste också ta itu med en stor, klumpig lins som kan vara ett drag på din kreativa process.
Motsvarande lins för APS-C-kameror är en 35mm f / 1.4, eller för mikro fyra tredjedels kameror en 25mm f / 1.4. ju mindre din kamerasensor, desto större skärpedjup får du vid ett visst f-stopp, så du kanske vill experimentera med att gå hela vägen till f / 1.4 istället för f / 2 med dessa mindre kamerakroppar. Skillnaden mellan f / 2 och f / 2.8 är signifikant för bakgrundsbokeh och är ännu mer uttalad vid f / 4.
Att skjuta grunt handlar om att fästa uppmärksamhet åt ett element i scenen, och i vilken utsträckning du smälter bort resten av scenen är viktigt för din komposition.
Ditt skärpedjup expanderar när du går tillbaka från motivet också, så ju större scen du tar 50 mm, desto längre söderut kan du behöva släppa f-stoppet för att få önskad grad av suddighet.
Att fotografera på f / 4 kan se dramatiskt ut när din ram är storleken på en tekopp, men den ger ingen effekt när du går tillbaka för att fånga en fullständig bordsdekning.
6. Tänk på skalan
När vi har en lins i handen har vi en tendens att fortsätta att kliva inåt och försöka strama kompositionen genom att klippa ut alla saker vi inte vill ha i scenen. Detta är en reduktiv process. Vi hamnar med mycket förenklade kompositioner och ingen aning om var vi gick fel.
Tricket för att bygga rikare och mer detaljerade kompositioner med stilleben och mat är att gå tillbaka och ta mer in i ramen, inte mindre. Det handlar inte bara om en annan lins, det är ett annat perspektiv; att tänka större är bättre. Vi blir besatta av vad som finns på tallriken, utan att inse att det finns en större scen som erbjuds.
När du går lite tillbaka ser du dig själv skjuta bordet, inte skålen. Nu har du alternativ för dina kompositioner. Gå tillbaka lite längre och du har en restaurang, inte bara bordet. På varje skalningsnivå får du olika alternativ för komposition.
Stega tillbaka låter dig sätta skålen i ett större sammanhang, med utrymme för att inkludera en känsla av plats. När du arbetar i studion är det ett vanligt misstag att hålla skalan liten. Att begränsa dig till en bråkdel av en bänk eller en liten bit plywood som du målade för att se ut som vittrat trä, begränsar också din kreativitet.
För stora resultat måste du tänka större än en brödlåda. Genom att utöka skalan för din skjutzon kan du också göra plats för flera rätter. En platta erbjuder mycket färre alternativ än två eller tre.
Med multiplar av samma maträtt på ett bord eller studiobänk skapar du potentialen för skiktade kompositioner. När du rör dig hittar du bilder inom scenen, och dessa multiplar av en maträtt ger dig flera ögonblick av inspiration.
7. Inkludera lite action
Stilleben behöver inte vara stilla när det gäller mat. Få lite rörelse in i scenen och ge den liv. Att fånga rörelse i dina scener lägger till effekt på bra komposition - till exempel att hälla vätskor, ånga som stiger upp från heta rätter eller helt enkelt sprinkla salt på en maträtt.
Dessutom är tillagningen av mat och de människor som förbereder den bra element att inkludera i en fotoserie. Stökigt är magi; en känsla av kaoset i ett kök, eller ingredienser på en arbetsbänk, lägger till intresse.
8. Stil bilden
Att bygga en intressant komposition kräver ett spektrum av tillvägagångssätt, med matstyling i ena änden och fotojournalistik i den andra. Du kan antingen skapa den exakta scenen du vill från grunden med hjälp av rekvisita och styling, eller så kan du leta efter stunder i en scen som redan finns i den verkliga världen; de bästa resultaten kommer ofta från en kombination av de två.
Styling är en dedikerad färdighet - på en reklamfilm kan stylisten faktiskt tjäna mer än fotografen. Stylister levererar sina rekvisita och idéer, och vanligtvis ligger konceptet för den totala filmen tyngst i deras händer.
Fotografen måste ta ledningen, manipulera ljuset till deras fördel och se till att den slutliga scenen är tekniskt kompetent.
Som fotograf är det en glädje att arbeta med en bra stylist eftersom de bär så mycket av den kreativa belastningen. Med stylisten som förbereder scenen kan du ägna din uppmärksamhet åt uppgiften att hitta den perfekta kompositionen - för en person att hantera både fotografering och styling kan vara krävande, eftersom din hjärna hoppar mellan två uppgifter och du kanske inte kan slutföra någon av dem till din nöjdhet.
När du fotograferar på plats är det viktigt att tänka på hur mycket av den ursprungliga karaktären från restaurangen eller köket du vill ta igenom i bilderna. Fotjournalistiska imperativ dikterar att du avslöjar ditt ämnes natur, medan styling är ett försök att skapa det genom konst. I praktiken finns det alltid en viss grad av båda.
Jag gillar att ”skjuta runt scenen” när jag besöker en restaurang eller någon annan plats. Jag ber personalen att sätta bord som de skulle för gästerna och att presentera rätter med hällt vin - jag vill se hur de presenterar sitt arbete. Med ett helt klädd bord börjar jag sedan leta efter element inom scenen.
Jag söker en ”hjälte” och gräver ut kompositioner som drar igenom flera element. Och då kan jag börja styla bordet lite - inte mycket, bara lite. Jag gör justeringar, jag tar bort distraktioner och lägger till lager i bakgrunden. Jag gör detta med lokaliseringsskott och när jag arbetar med en stylist i studion.
Att föra samman dessa två tillvägagångssätt ger mångfald i bilderna du kan samla och öppnar dörren för innovativa kompositioner som är oväntat givande.
9. Kom ihåg att använda rekvisita
Nyckeln till bra matstyling är att ha rekvisita till hands för att komplettera scenen. Om du planerar att spela mycket i studion vill du börja samla några intressanta rekvisita för att krydda dina scener.
Ingredienser till ett recept kan användas som rekvisita, liksom porslin och porslin. Människor kan också fungera som rekvisita. Tänk på händer som är inblandade i scenen, eller kanske kökspersonal som hanterar en skål - genom att skala ut för att skjuta bredare får du utrymme att föra in rekvisita i kompositionen.
Den högra rekvisiten kan lägga till sammanhang till en scen, som en kruka med te och koppar tillsammans med en bit kaka. Rekvisita kan också användas för att noggrant lägga till specifika färger till en scen som pryder huvudmotivet.
10. Ta full kontroll
Vad som gör matfotografering så annorlunda än andra genrer är graden av kontroll du har över ämnet. Du kan göra nästan vad som helst du gillar på scenen - du kan till och med äta det! Det är lätt att styra ljuset över en scen som är lika stor som ett bord, jämfört med att fotografera en full studiouppsättning eller vänta på soluppgång över ett landskap.
Mat behöver inte dra en pose eller leverera ett uttryck; den sitter där och tar tyst emot uppmärksamheten utan att röra sig. Inom gränser förstås - var försiktig med glass, eftersom den kan smälta på några minuter om du inte är redo för skottet.
Matfotograferingens omfattning och livlösa natur innebär att du har utmärkta möjligheter till komposition. Det är en bra genre för att utforska användningen av färg, perspektiv och repetition.
Känn inte att du behöver alla regnbågens färger fastnat i en enda ram - försök istället att börja arbeta med en begränsad färgpalett och hitta sätt att upprepa färger genom scenen. Och använd mer än en maträtt i din styling, utnyttja en större skala och större idéer.
Ändra ditt perspektiv när du skjuter - prova uppifrån och ner, men leta sedan efter olika vinklar som avslöjar mer eller mindre av vissa element.
Matfotografering lämpar sig för tethered fotografering, och det är en bra idé att arbeta med en bärbar dator och en tether-kabel när du är i studion eller på plats. Det är en stor fördel jämfört med att bara titta på kameran, eftersom du får mycket bättre feedback om subtila variationer i dina bilder och en mer exakt bekräftelse på var ditt korta skärpedjup slår.
Dessutom ger tydligheten på en stor bärbar datorskärm dig också bättre återgivningar av dina kompositioner, komplett med din föredragna behandlingsbehandling när varje ram rullar av kameran. Huvudregeln är dock att alltid börja med ljuset - det spelar ingen roll hur intressant maten är om du inte har bra ljus. Sikta på mjukt, rikligt, vinklat ljus.
När du ändrar ditt perspektiv kan du också ändra din ljusvinkel - som att lägga till salt och peppar för att krydda en maträtt. Att ändra vinkel är att finjustera känslan av bilden.
De bästa makrolinserna 2022-2023
Hur man tar bilder tidskrifter och företag vill använda
215 fotograferingstekniker, tips och tricks för att ta bilder av vad som helst
De 50 bästa fotograferings- och kameratillbehören
