Bild: Miles Aldridge
DCW: Bortsett från övergången till digital, hur har fotografering förändrats sedan du började?
MA: Många saker har förändrats sedan jag först tog upp en kamera för att bli en professionell fotograf. Jag spelar fortfarande på film, även om jag kommer att spela in på digital om det är en deal-breaker för en viss klient. Men en av de största förändringarna är att jag arbetar mycket mindre med konventionell reklam, och jag tror att det har hänt på grund av tillväxten av sociala medier.
De kunder som brukade spendera sina budgetar på stora fotograferingar kommer nu att spendera detta på en blandning av det och sociala medier. Jag tror att de flesta håller med om att investeringen i reklamfotografering är - och jag riskerar en gissning här - bara cirka 10% av vad den var för 20 år sedan. Det är ett helt annat landskap.
När jag började var tidskrifter mycket spännande och spännande. Innan internet hade tidskrifter en verklig kvävning på konsumenten, och det var ett av de viktigaste sätten att förmedla ditt budskap. När internet tog fart och började lova kunder att det kunde fokusera sin målgrupp och till och med ge feedback om hur många som tittade på sina annonser och så vidare blev förslaget om en tidningsannons mindre och mindre tilltalande. Självklart gjorde tidskrifter allt de kunde för att få tillbaka annonsörer och erbjuda billigare och billigare priser, föreställer jag mig. Nu är det inte längre den viktigaste delen av någons reklamkampanj.
När jag började var situationen uppenbar: om du var en bra redaktionell fotograf och du gjorde många ledare för rätt tidskrifter - Vogues och så vidare - skulle du få många reklamkampanjer att skjuta. Och pengarna du tjänade på reklamkampanjer kunde också spenderas på att få dina ledare att se ännu bättre ut eftersom tidningarna inte riktigt stödde fotograferna. Det skulle finnas en grundbudget, men om du ville göra något speciellt - som jag alltid gjorde - måste du betala för det själv.
Den typen av dynamik fanns när jag började, och den stannade så tills internet blev etablerat. Om du bläddrar igenom tidskrifter från mitten av nittiotalet ser du att reklam är mycket mer aggressiv, djärv och ovanlig. Jag skulle till och med säga konstnärlig. Nu ser reklambilder ut som om de skulle kunna tas av samma fotograf. Det finns ett slags grundläggande krav nu att bara fotografera outfit eller vad det än är. Det finns inget verkligt intresse från reklamklienten att ha något konstnärligt skulle jag säga.
Tror du att det finns en del av att människor inte vill ta samma risker som tidigare?
Det kan de inte. Jag tror att när branschen är fylld av rädsla - den ena lågkonjunkturen efter den andra, eller löften från Internet att ge dessa märken massor av pengar - blir det ganska ihåligt. Rädslan för att detta instillerar människor som investeras i dessa projekt får dem att tänka att det kanske inte fungerar, så de borde inte förstöra det, och därför är det inte värt att riskera någonting. Jag tror att när du befinner dig i en sådan situation kommer det bara att skapa mycket, mycket intetsägande arbete. Så ja, för att svara på din fråga tror jag att människor är livrädda för att göra riskabla eller intressanta bilder.
Om du går tillbaka 20 år eller så var marknaden inte lika global som den är nu, med samma bild som måste tilltala en publik i Saudiarabien eller Indien eller Afrika. När din publik är så stor påverkar den vad som är acceptabelt ur en visuell synvinkel. Vad vi eller jag kanske tycker är intressanta i en bild, eftersom det rör en film eller teater där de kulturella referenserna är mycket tydliga, kanske inte någon i Saudiarabien förstår, och de kan förolämpas av det. Så annonsörer måste spela ett noggrant spel i vad de visar.
"Jag tror att människor är livrädda för att göra riskabla eller intressanta bilder."
Miles Aldridge
En av de saker som verkligen förändrats sedan jag började fotografera är att reklamfotografering har blivit riktigt ointressant. När jag började var vissa modemärken som Jil Sander det absoluta målet. Jil Sander sågs som det sixtinska kapellet för modefotografi, det som varje fotograf ville få. Jag tror inte att det finns någon enastående modeannoncekampanj som någon fotograf tycker är värt att göra idag, även om Gucci fortfarande ser ganska bra ut, för att vara rättvis.
Du fotograferade stjärnorna i Game of Thrones för tidningen TIME nyligen. Hur kom det till? Det här skiljer sig helt från vad du är känd för. Gjorde du det som svar på att branschen förändrades på något sätt?
Jag har gjort bilder på samma sätt med jämna mellanrum under min karriär. Det fanns en bild som jag kallade Like a Painting for Italian Vogue 2008, och den inspirerades av en renässansmålare som heter Pisanello. Game Of Thrones-projektet 2017 var mestadels inspirerat av en nordlig renässansmålare som heter Lucas Crannach, men också lite inspirerad av Albrecht Dürer, den andra stora nordliga renässansmålaren. Jag kan hämta inspiration från filmer, böcker och måleri, och jag älskar konsthistoria; om det är inspirerande är jag ganska glad att ta en referens från något som är 500 år eller mer. Jag tycker att det alltid är viktigt att ta en Miles Aldridge-snurr till den, så jag skulle aldrig vilja göra en direkt fotokopia av en målning - jag tycker inte att det är intressant. Jag gillar alltid att ta med en del av mina mer kända verk till den, även om den har en gammal eller antik referens.
Vid filmen Game of Thrones arbetade jag riktigt hårt med scenografen för att ha tyger som var mer vallmo, med en bredare färgpalett, för att ge en slags modern twist till dessa historiska bilder. Eftersom GOT är fantasi och fiktion, baserat i detta parallella universum, försökte jag tänka på ett sätt att göra porträtt både enstaka och som gruppbilder som refererade till vad GOT handlade om, men också att lägga till något annat. Så, knyta det till denna nordliga renässansstradition med dessa mycket enkla porträtt, med ett symboliskt element som en blomma eller en bit frukt. Det finns till exempel en mycket berömd Leonardo da Vinci-målning av en tjej som håller en väsande.
"Om det är inspirerande är jag ganska glad att ta en referens från något som är 500 år eller mer."
Miles Aldridge
Det var sådana regler, så länge jag antog dem kunde jag sedan anpassa bilden med min signaturbelysning, färg och tydlighet. Det var något jag delar med dessa artister: de hade ett tvångsmässigt öga på att spela in detaljer. Hur jag tänder och hur jag använder min kamera betyder att jag fångar en utomordentlig mängd detaljer som liknar en nordlig renässansmålning från den perioden.
Skulle du säga att målningar har mer inflytande på dig än andra fotografer?
Jag har verkligen påverkats av andra fotografer som Helmut Newton, Guy Bourdain, Irving Penn och Richard Avedon. Jag tycker att inte bara bilden de gjorde intressant, utan också hur deras karriär flyttade mellan att göra arbete för tidningar och personliga projekt. Avedon arbetade med utställningar och böcker, och det gjorde Newton och Bourdain också. Avedon gjorde också mycket politiskt arbete. Jag tycker att deras karriär är inspirerande, och några av deras bilder är verkligen fantastiska, men jag tror att om du bara tar inspiration från andra fotografer kommer du förmodligen bara att vara lite framgångsrik med det tacket.
I stället för att alltid vara fotograf har jag alltid velat bli filmskapare eller regissör, och jag var alltid väldigt inspirerad av de bilder jag kunde se i biografen. När jag fick en chans att bli fotograf, även om jag hade andra fotografer som några av mina hjältar, var jag väldigt glad att jag också kunde göra bilder som kändes som stillbilder från filmerna jag älskade. Eller, en mashup mellan en kopia av Vogue och en film, som en film fortfarande men modellen skulle ha på sig något som var viktigt för tidningen, och det hela tillsammans blev något nytt. Och det är förmodligen anledningen till att det finns intresse för mitt arbete, eftersom det inte bara refererar till andra fotografer tidigare, renässansen eller till och med bara biografen. Jag har ett skata-liknande sinne, ser något på ett ställe och något annat från ett annat, och bygger sedan en bild som är personlig men också refererar till andra saker jag är intresserad av.
När det gäller filmskapande vet jag att du har regisserat några musikvideor tidigare. Är det något du föreställer dig mer av? Eller kanske flytta in i långfilmer?
"När jag fick en chans att bli fotograf … var jag väldigt glad att jag också kunde göra bilder som kändes som stillbilder från filmerna jag älskade."
Miles Aldridge
Jag skulle aldrig säga aldrig, men jag gjorde popvideorna innan jag ens tog upp en kamera, så det är nog för ungefär 25 år sedan nu. Jag var väldigt lycklig att jag hamnade i den karriären och jag gjorde det i ett par år. Jag var inte så bra och människor var väldigt tålmodiga med mig - de lät mig i grund och botten röra med en filmkamera. Men jag lärde mig mycket om att göra det. Jag lärde mig mycket om att bygga uppsättningar och skapa dessa filmrum. Jag lärde mig lite om belysning från att prata med kameramän jag arbetade med. Jag lärde mig också att hantera en stor grupp människor, en stor uppsättning på en stor shoot. De flesta av dessa videor hade cirka 30 personer som gjorde olika uppgifter, och på mina bilder nu finns det förmodligen en liknande mängd människor. Det är alltid en ganska produktion.
Jag tycker att det var till stor hjälp att få mig att fråga huruvida jag verkligen ville bli filmskapare, för jag tyckte att det var väldigt svårt att sätta en signatur på bilden när jag gjorde popvideor. När jag var fotograf kände jag att jag kunde göra något där jag verkligen hade undertecknat det, som om det var min bild. Jag tycker att filmskapande är en mycket mer samarbetsprocess; du måste verkligen arbeta med filmfotografen som regissör, och de kommer att ha stort inflytande på hur allt ser ut. Du måste släppa en del av din egen estetik. Eftersom jag gjorde det först och tyckte att det var ganska svårt, när jag kom till fotografering, där jag i huvudsak var regissör, producent och kameraman på en gång, kände jag att jag hade denna autonomi som jag inte hade haft tidigare .
Jag gillade också hur fotografierna sågs, vilket jag menar i en tidning. När jag började göra mer arbete började de ingå i böcker och gallerier, och nu är de till och med på museer. Och jag gillade det jämfört med en popvideo, som då bara någonsin sågs på tv. Nu skulle du se det på YouTube, kanske på din iPhone. För mig var slutresultatet något jag var intresserad av. Jag var väldigt glad att göra något som skapade ett tryck, något som varade, något som var vackrare att titta på än på en TV-skärm eller en iPhone, som jag tycker är obehagligt sätt att se saker.
På den punkten, om det fanns en artist som jag gillade som ville ha en popvideo och det fanns frihet att vara kreativ, skulle jag vara intresserad. Men precis som alla dessa andra saker vi pratar om, tror jag att musikindustrin har tappat tarmarna ur det ekonomiskt, så du skulle kämpa.
Du talar på The Photography Show i år. Vad har du planerat?
Jag leker fortfarande med det jag vill diskutera men jag har kallat det 'Color av Miles Aldridge'. Jag tycker att färg är ett oändligt fascinerande motiv inom fotografering. Jag älskar att samla gamla fotoböcker och tidskrifter och se hur färgerna har utvecklats i olika filmbestånd genom fotografiets historia.
"Jag tror att om du bara hämtar inspiration från andra fotografer, kommer du förmodligen bara att vara lite framgångsrik med det tacket."
Miles Aldridge
Den uppenbara här att diskutera är Kodachrome. Under 1940- och 1950-talet, och till och med 1960-talet, var den tonala räckvidden för den filmen extraordinär, och den skapade en köttton som har varit mycket svår att replikera sedan dess. Jag skjuter på färgnegativ Kodak-film och försöker bearbeta den i efterproduktion för att ge den samma kvalitet som jag älskade från de tidiga fotografierna.
Jag ska diskutera hur färg har en effekt på bilden och hur färger fungerar i fotografering för mig. När jag tänker på ett motiv, till exempel, gillar jag att lägga ett element av blått eller grönt i skuggorna, så det finns en slags svalka i skuggorna och lite mer värme i höjdpunkterna. Så jag kommer att prata om subtila saker som det, och också hur ett färgblock kan ha en otrolig effekt på bilden när den kolliderar med en annan, och hur jag tar med det i bilden genom att arbeta med mina scenografer, make- upp konstnärer, stylister och frisörer före inspelningen. Mellan oss samarbetar vi och skapar en palett.
Jag målar ofta akvareller och gör skisser i förväg också, och med det kan jag visualisera hur ett fotografi kommer att bli. Ju mer jag gör det, desto mer självförtroende har jag för fotograferingen att färgerna hänger ihop och ger en bra estetik. Jag vill inte bara göra något som känns säkert och trevligt. Jag vill hellre lägga till några fler färger och göra en mer destabiliserad palett. Det är vad jag försöker få, något som vid första anblicken kan vara lite för mycket, men när du arbetar med det kan du ordna det och komponera det så att några av de färger som du inte tänkte kan fungera i slutändan. Jag tror att det är så man skapar moderna bilder.
Jag är alltid medveten om det förflutna, oavsett om det är en renässanssmålning för fem hundra år sedan eller en David Lynch-film från 1980-talet. Jag har en stor katalog med visuella referenser, men de tar dig bara så långt - jag tror att du verkligen behöver experimentera. Du kan experimentera i fotostudio till en viss grad, men när du är i en studio med ytterligare 30 personer vill du inte ha alla som väntar på dig. Så jag försöker göra mycket av det i förväg på egen hand.
Skulle du säga att ditt föredrag kommer att vara mer fördelaktigt för någon som tar porträtt och vill få en bättre förståelse för färg? Kanske någon som vill experimentera och ta kreativa risker?
Kanske ja. Självklart tror jag att föredraget kommer att tilltala människor som gillar mitt arbete. Jag är inte säker på hur jag kan påverka dem när det gäller deras egen karriär - det är verkligen upp till dem att ta något från mitt arbete, på samma sätt som jag har tagit bitar från Avedon och Newton och så vidare. Förhoppningsvis kommer det också att finnas några bra historier. Min karriär har varit en lång intressant möte med olika människor och försökt få saker att hända. Det hela har varit mycket roligt, men det görs inte i vakuum. Det är gjort med många andra människor.
Jag antar att många människor inte nödvändigtvis uppskattar armén av människor bakom att få den bilden att fungera. De ser bara fotograferna namn och tänker på det som deras.
Möjligen, ja. I slutet av dagen måste fotografen underteckna det. Det är ett samarbete och deras arbete uppskattas mycket, men det är fotografen som måste underteckna det och det lever eller dör på fotografens talanger.
Vilket kit brukar du använda?
Jag skjuter ganska mycket uteslutande på en Rolleiflex 6008-kamera. De linser jag brukar använda med den kameran är en 90 mm-lins, vilket är min lins, och det finns en 120 mm-lins, som jag också använder mycket. Det är de två jag huvudsakligen använder. Jag använder också ett 180 mm-objektiv om jag behöver zooma in mer och jag går antagligen så bred som en 50 mm.
Jag skjuter med Broncolor-belysning, och allt är blixt. Jag gillar Flooter som de gör (ovan), som är en version av en Hollywood Frenel.
Jag spelar på Kodak Ektar 100 ASA-film. Jag skjuter inte riktigt så mycket digitalt men när jag gör det tenderar jag att skjuta på en Leica S med några förstklassiga linser. Jag tycker att Leica har en bättre filmåtergivning än de andra märkena.
Miles Aldridge talar på The Photography Show den 20 mars. Klicka här för mer information och för att boka biljetter
